TOMAS SANCHEZ: LA PLACIDEZ DEL SUEÑO.

Buenas tardes a todos, nuestros muy estimados lectores, de vez en cuando, conviene parar el ritmo que, llegado el momento, puede superarnos. Nuestras obligaciones familiares, laborales, personales, no deben, bajo ningún concepto romper la armonía, que como personas-individuos mantenemos con la Naturaleza, y para ello TOMAS SÁNCHEZ REQUEIRO, nuestro protagonista de hoy, puede echarnos una mano.

VALEDORASDELGUSTO, aunque gusta de tratar temas relacionados con el mundo de la moda y la comunicación, también, de vez en cuando, NECESITA de la quietud que pueden ofrecerte unas imágenes, bellísimas por cierto, y cuyo autor es este pintor cubano, nacido el 22 de mayo de 1948, en Aguada de Pasajeros -Las Villas- Cuba.

Entre los años 1964 a 1966 estudió en la Escuela de Artes Plásticas de San Alejandro en La Habana (Cuba), graduándose en 1971, en la Escuela Nacional de Arte de dicha capital cubana.

Su trabajo y su vida discurre entre Miami y Costa Rica.

¿Quien de entre nosotros no puede negar haber vivido soñando un estado ideal, y una situación de placidez tal que la naturaleza mas excelsa se confunde con todos nuestros sentidos? Todos ansiamos esa paz interior, ese consuelo que nos abraza, y no lleva a mundos oníricos en los que la realidad se mezcla con la fantasía, y sobre todo, en los que el espíritu humano es felizmente complacido.

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Esa realidad, tan difícil de obtener, es la que consigue TOMAS SANCHEZ con sus pinturas, que nos arrastra a mundos en los que el tiempo no tiene "contador", y en los que la realidad es sólo un mero reflejo de sí misma.

Epicuro pensaba que sólo el que presta atención a la Naturaleza consigue ser verdaderamente libre en cualquier circunstancia, había colocado en el umbral, del hermoso jardín donde había instalado su escuela un lema que decía: "AQUÍ EL DELEITE ES EL SUMO BIEN". Dicen que buscaba el filósofo el sosiego del alma en su conciliación con la Naturaleza y que por ello, buscaba en ésta hermosos lugares donde, de manera natural, se pudiesen adquirir nobles hábitos.

Tomás Sanchez nos presenta unos maravillosos e idílicos paisajes, que no tienen que ser los que Epicuro nos reseñaba, pero sí es bien cierto que su detenida visión, nos encierra en un mundo pleno de ensoñaciones, en los que hombre y naturaleza son sólo uno.

TOMAS SANCHEZ REQUEIRO lleva la naturaleza en su corazón, un corazón que late a ritmo de paisajes verdes y deliciosos atardeceres, en los que la luz va iluminando los elementos que conforman esta maravillosa perfección que es la naturaleza viva. Es un brutal paseante por la belleza de las plantas y de las flores, de los rios y de las aguas, rápidas, tranquilas, pero todo ello con un común denominador: tu corazón queda prendido en cada una de las imágenes que contemplas. Es un fascinante MAGO de la belleza natural, nada de artificio, todo en él es esencia pura......

Gracias, Tomás por ayudarnos a encontrar el camino de la serenidad, el sendero por el que nuestros días, llegado que sea el momento del descanso, debe ofrecer a nuestros sentidos la mas excelsa y explícita virtud; la del silencio.

SILENCIO

Bajo el sollozo de un jardín no mojado.

Oh pájaros, los cantos, los plumajes.

Esta lirica mano azul sin sueño.

Del tamaño de un ave unos labios. No escucho.

El paisaje es la risa. Dos cinturas amándose.

Los árboles en sombra segregan voz. SILENCIO.

Así repaso niebla o plata dura,

beso en la frente lírica agua sola,

agua de nieve, corazón o urna,

vaticinio de besos ¡oh cabida!,

donde ya mis oídos no escucharon

los pasos en la arena, o luz o sombra.

(VICENTE ALEIXANDRE).

ESPERAMOS QUE  A LA VISTA DE LA OBRA DE TOMAS SANCHEZ ESTÉIS DEL TODO DE ACUERDO CON NOSOTRAS "LA VIDA ES SUEÑO"

DISFRUTEMOS DE ÉL DÍA A DÍA.

AUTORRETRATOS: Cómo me ves?

Buenas tardes, queridos lectores, con este "post" intentamos ofreceros una visión distinta, esperamos conseguirlo, de lo que para nosotras, VALEDORASDELGUSTO, puede y debe ser objeto de conocimiento, y por supuesto, que no deje de sernos entretenido.

Es por ello que hemos escogido el tema del AUTORRETRATO, ¿como se vieron a sí mismos los grandes genios de la pintura?. Quizás no cómo nosotros los hemos conocido, quizás en sus propios autorretratos pusieron algo más que su técnica, pusieron su alma, sus deseos, sus pasiones, sus miedos. 

Empecemos pues, con algunos de ellos, ¿Os parece?

PABLO PICASSO

GOYA

FRIDA KHALO

El género del autorretrato nació durante el Renacimiento, cuando la Historia del Arte comenzó a ser también la Historia de los Artistas. De una manera explícita o camuflada en medio de una escena, los artistas convierten su propia imagen en modelo para sus pinturas. El aparente narcisismo de esta acción encierra en la mayoría de los casos unos motivos mucho mas profundos, y en ocasiones, incluso dramáticos, que han convertido los AUTORRETRATOS en uno de los géneros más ricos y fascinantes de la historia de la pintura, 

A veces, como se suele decir, una IMAGEN vale más que mil palabras.

Continuamos, pues, con nuestras más que explícitas "palabras".

GUSTAVE COURBET

VELAZQUEZ

MARY CASSAT

La técnica del AUTORRETRATO pone de manifiesto, en cada actitud, en cada gesto, de todas y cada una de las obras de un pintor, lo que ve, cómo lo vé, y en definitiva, lo que, en virtud de dicha captación de la esencia de las personas -en este caso- la suma propia, lo que ES. Es por ello que el autorretrato ha sido una constante manifestación en la historia de la pintura, en gran parte debido, a que el modelo lo tienes enfrente, con sólo mirarte al espejo, o quizás a que lo que tus pinceles plasman en el lienzo es aquéllo que el pintor CREE, positivamente, SER.

JUDITH LEYSTER

RENOIR

El maestro, utilizando las distintas técnicas, va dando forma a su autorretrato, a su propia imagen, con el sentimiento de sentirse su propio dios, incluso capaz de insuflarle alma. Y es que el mas sincero, o el mas falso, de todos los retratos es el autorretrato. En el autorretrato tienen cabida todas las ideas, los sueños, los ideales y las emociones que plasma el artista sobre sí mismo, sus fantasías, y fundamentalmente, el papel que cree ostentar dentro de la sociedad en la que se encuentra inmerso.

CAMILLE PISSARRO

BOTERO "disfrazado" de VELAZQUEZ

En definitiva, como podemos comprobar el mito de NARCISO nos "toca" un poco a todos y no por el sencillo hecho de contemplar nuestra explícita (?) belleza, sino por sabernos que EXISTIMOS como algo que se autodefine por sí mismo, sin necesidad del concierto de cuantos nos rodean.

ANDY WARHOL

"ES MUCHO MAS IMPORTANTE QUE TE CONOZCAS A TI MISMO

 QUE DARTE A CONOCER A LOS DEMAS"

Lucio Anneo Séneca.

Con cada uno de nuestros "post" VALEDORASDELGUSTO hacemos también nuestro AUTORRETRATO.

BUEN DIA A TODOS

LAS "CHICAS VARGAS"

Buenas tardes, amigos todos que nos seguís habitualmente, sabiendo que siempre en mayor o menor medida nuestros "post" os resultan interesantes, dentro de las distintas áreas del mundo del arte, el estilismo, la moda y la cultura, por supuesto.
Hoy, nos decantamos por un artista excepcional, dentro del mundo de pop art, ABERTO VARGAS, considerado como un icono de la ilustración americana, precisamente por y gracias a las denominadas "CHICAS VARGAS": su estilo ingenioso y provocador no tiene quien le iguale.

Alberto Vargas (1896-1982) nació en Arquetipa (Perú), hijo de un fotógrafo bien considerado. Así, dado que sus posibilidades económicas se lo permitían estudió en Suiza, para después instalarse en Nueva York. Colaboró como ilustrador en numerosísimas revistas entre ellas Harper´s Bazar, Theatre Magazine, y Esquire, pero fue gracias al  genio del imperio Play Boy, Hugh Hefner que  ALBERTO VARGAS conoció el éxito mundial, al publicar algunas de sus obras, que eran del todo sensuales y en las que sus famosas chicas aparecían bien ligeras de ropa. Hugh Hejner, a la vista del éxito obtenido, le ofreció publicar mensualmente su obra, eso sí, la única condición que impuso Vargas fue la de no incluir o "descubrir" las "entrepiernas" de sus "Chicas".

Las "chicas Vargas" tenían varias características comunes como bien podréis observar en las fotos que os insertamos, todas ellas eran fascinantes mujeres, con cuerpos perfectos y sobre todo, con una sensualidad que traspasaba al papel couché. Aparecían dibujadas bajo sutiles transparencias, divertidas poses, y sus labios, siempre de rojo carmín era como canto de sirenas.

El estilo Pin Up se refiere a dibujos e ilustraciones de mujeres que aparecen en posturas o actitudes sugerentes o de sorpresa. La palabra en sí se comenzó a utilizar en la década de los 40 y 50 en Estados Unidos. Este género cobró una gran popularidad, especialmente, durante los años de la Segunda Guerra Mundial. Los soldados estadounidenses llevaban consigo naipes y posters con los sensuales dibujos. En aviones, las chicas Pin Up adornaban la nariz del avión como un signo de distinción. Dentro del grupo de artistas que desarrollaron este estilo se enmarcaba nuestro protagonista de hoy, el peruano Alberto Vargas.

Es evidente que en la España de aquella época en la que triunfaba en EEUU y el resto de Europa, Alberto Vargas, con sus tan sugerentes "chicas", sus ilustraciones no tenían acceso, por lo que aquellos que tenían la suerte de poder conseguirlas lo era en base a ser enviadas desde el extranjero y con mucha precaución (cosas de la falta moral de la clase política y social de los años 50 y 60 del pasado siglo XX).

Las denominadas "CHICAS VARGAS" destacaban, como ya hemos indicado, por sus encantos, que mostraban de forma totalmente natural y desenfadada; ellas suponían la puerta de entrada a una fantasía de frivolidad desenfrenada y a una sexualidad enloquecida, la pasión que puede obrar en cualquier mujer desconocida., dispuesta a brotar cual volcán en erupción.

Vargas utilizaba fundamentalmente la acuarela, pero también utilizó el aerógrafo, sobre éste solía decir: "No dejes que te domine, utilízalo cuando tengas la obra prácticamente acabada. No intentes que haga lo que deberías haber hecho con los pinceles....si lo haces parecerá un trabajo mecánico.  Utilízalo en matices, nunca debe ser aparente".

Sin la menor duda, ALBERTO VARGAS llegó a transformar el erotismo no sólo en algo natural, lleno de frescura y encanto, sino también nos ofreció la posibilidad de conocer un mundo del todo enigmático, pleno de originalidad

Hoy, mas de treinta años después de su muerte, su obra sigue siendo un referente y una fuente de inspiración en Estados Unidos y Europa, habiéndonos dejado un legado artístico insuperable.

"La Belleza es la forma del genio, aunque en realidad es mas alta que el genio, pues no requiere explicación"

El retrato de Dorian Grey (Oscar Wilde)

BUENAS TARDES A TODOS

DISFRUTAD DE LAS "CHICAS VARGAS"

Fuentes: Album, Letras y Artes.

CÉZANNE: EL ALMA DEL PAISAJE.

Bienvenidos a la RETROSPECTIVA que  desde el pasado 4 de febrero, el Museo Thyssen-Bornemisza, de Madrid, nos ofrece sobre el MAESTRO del PAISAJE y el BODEGON, PAUL CEZÁNNE, dirigida la exposición por el director artístico del antedicho Museo y comisario de Cezanne site /non site, Guillermo Solana, quien en una entrevista del todo interesante concedida a la Revista DESCUBRIR EL ARTE pone de manifiesto la idea fundamental que quiere transmitir sobre la obra de CEZANNE.
Para ello, nos cita a Robert Smithson, de cuyos escritos invoca la imagen de un Cezanne que va directamente al terreno y se relaciona físicamente con el lugar que pretende plasmar en sus lienzos, y por otra parte, la visión que nos produce la visión de sus paisajes, mucho mas que naturalezas muertas y en ésta, la existencia de aire libre.

Partiendo de estas premisas, podemos comenzar por conocer un poco de la vida y la obra de PAUL CÉZANNE, si es de vuestro agrado.

PAUL CEZANNE es uno de los pintores mas emblemáticos de la segunda mitad del siglo XIX, y considerado por muchos como el "padre de la pintura moderna". Nació el 19 de enero de 1839 en Aix-en-Provence (Francia), en una familia acomodada; su padre era fabricante de sombreros, y después banquero, del que Cezanne, en su momento, hizo la siguiente afirmación: "Mi padre era un hombre de genio; me dejó una renta de 25.000 francos". Ello hizo posible que Paul pudiera estudiar, primero, Derecho, en Aix, donde encontró la amistad en la persona de Emile Zola, una relación un tanto compleja e íntima.. Sin embargo, las letras no eran lo suyo, y en 1861 se marcha a Paris para "hacerse pintor". Es en Paris donde estudia en la Academie Suisse, y se dedica a realizar copias de obras expuestas en el Louvre; es también por esa época en la que traba conocimiento con Camille Pissarro, Renoir, Monet y otros seguidores del movimiento "impresionista". Participaría en la tertulia de los impresionistas del Café Guerbois. 

Retrato de Campesino

Cezanne expuso por vez primera en el Salón des Refusées en 1863, pero fueron obras que rechazó el jurado oficial del Salón de París, un año tras otro.
Su primera exposición oficial -por así decirlo-, tuvo lugar en el estudio de Nadar, en 1874, junto a un grupo de impresionistas, para posteriormente hacerlo, de nuevo, en 1877.
Para la crítica era el "mas torpe" de todos los artistas de su época, sin embargo, con el tiempo esta graves críticas que tuvo que soportar CEZANNE se transformaron en palabras de elogio hacia la originalidad de su obra.

Detalle de Retrato de Campesino (Autorretrato?)

Fue en 1878, cuando conoció a su compañera Hortense, junto a la que se trasladó a vivir a Marsella, en su residencia L´Estaque; ese distanciamiento personal de sus compañeros impresionistas, le valió también un cierto alejamiento de la citada tendencia, empezando por trabajar su propio y personal estilo. Su vida transcurrió entre Paris y el Sur de Francia, hasta que en 1900 se estableció, definitivamente, en Aix-en-Provence.

Bañistas

Si hay algo característico de la técnica pictórica de CEZANNE es que éste consideraba del todo inseparables tanto la forma como el color. Cezanne nos habla mediante áreas de color planas, resultantes de pinceladas geométricas, que van dando forma al cuadro. Sus paisajes, sus bodegones y retratos echan por tierra la tradicional profundidad que había sido siempre definida por planos sucesivos, y resuelven por captar lo que constituye la composición interior de los objetos. Son, por tanto, sus pinturas de una factura gruesa y hecha a base de capas. Cezanne nos introduce en un mundo en el que predomina la búsqueda de la luz, con la finalidad de dar volumen a sus objetos.

Naturaleza muerta con flores y frutas c 1890

El aparador

No cabe duda que hablar de CEZANNE es hablar del paisaje, género dominante en su obra, pues es prácticamente la mitad de su producción, que suponía su realización al aire libre. Pero si hay algo que identifica a un CEZANNE muy particular, separado de los impresionistas es el trabajo de la naturaleza muerta. Son el paisaje y la naturaleza muerta la temàtica principal que define su obra, concebida y realizada, pacientemente, desprende serenidad, y su previa composición le exigía paseos interminables por el campo y el contacto con la naturaleza. Para nada gustaba de las carreteras modernas, es más, para él el paisaje era el camino forjado por la propia naturaleza. 
Hay un apartado especial dentro de la exposición y son las escenas de desnudos, en paisajes naturales.

Bodegón

Sin lugar a dudas podemos afirmar que Cezanne fue un hombre, un tanto incomprendido, quizá en base a que sus maneras eran bruscas, a primera vista, un hombre tosco, también en su expresión. Sin embargo, esa "cáscara" escondía un ser humano sensible, con una gran formación clásica. Con el tiempo fue volviéndose más huraño, llegando a tener fama de maniático y excéntrico. Era lo que se dice todo un clásico BOHEMIO.

En parte el desconocimiento de la obra de CEZANNE durante su vida lo fue en base a que vivió practicamente retirado en Aix-en-Provence, y no es hasta 1895, cuando  Ambroise Vollard, gracias a la mediación de Pisarro, comienza por hacerle exposiciones anualmente. De esta forma, nuestro maestro empieza a ser respetado y conocido por sus contemporáneos, y también por los jóvenes que se deciden a "ver" su obra.

Paisaje

No cabe la menor duda de la extraordinaria contribución de CEZANNE al universo de la pintura, su finalidad la de transformar el mundo en una imagen sobre una tela, empleando para ello el color, trabajando fundamentalmente las profundidades.

CEZANNE nos deja su testamento artístico con estas palabras "La naturaleza no se encuentra en la superficie, sino en las profundidades. Los colores son una expresión de estas profundidades en la superficie. Surgen de las raíces del mundo".

Paisaje.

BIENVENIDO a este nuestro y vuestro, por supuesto, blog a CEZANNE, padre de una nueva forma de entender y difundir el ARTE.

 

EL JARDÍN DE LAS DELICIAS

Con mejores palabras no se podía comenzar  un pequeño comentario sobre la obra más conocida del pintor holandés HIERONYMUS BOSCH ( El Bosco),
¿Qué os parece, si amén de la belleza que armoniza con la elegancia en el vestir, en la buena literatura y en el cine, como hasta ahora hemos tratado, nos animamos a conocer un poco lo que de belleza encierra el arte de la pintura?
Y nuestro mejor ejemplo, y para empezar, introducirnos en el significado de esta obra, que está representada en el tríptico pintado al óleo sobre tabla, pudiéndose cerrar las dos laterales sobre la central, representando cerrado el tercer día de la creación del mundo por Dios, en forma de globo terráqueo con la Tierra dentro de una esfera transparente, símbolo de la fragilidad del Universo. Así, cerrado está pintado en tres tonos, grises, blanco y negro, y en él pueden verse, exclusivamente, formas vegetales o nimerales.  

Su contenido es del todo simbólico, y está datado, según el catálogo de la exposición que sobre El Bosco tuvo lugar en Rotterdam, en el año 2001, entre los años 1480 y 1490, aunque hay también quien lo sitúa entre 1503 y 1510.
La antedicha pintura, por hacer un poco de recorrido sobre su origen fue encargada por Enrique III de Nassau.
Una vez abiertos los laterales, su parte central es una galería de goces eróticos descrita con muy fino humor, y nos hace pensar que su autor tenía profundos conocimientos esotéricos, así como de la cabalística y la alquimia. Es característico su espacio vertical, de horizonte muy elevado, en el cual cada forma se aisla como en un mundo hermético, donde cada monstruo resulta de un fantástico ensamblaje en el que cada una de las partes es de un realismo cortante.